Ночной дозор. О самой загадочной картине Рембрандта

Ночной дозор. Рембрандт

 

«Ночной дозор» — одно из самых загадочных полотен в мире. Все знают, что это вовсе и не ночной пейзаж. Просто картина потемнела, а на самом деле действие разворачивается днём.

Но вот почему именно с этой картины у Рембрандта началась чёрная полоса в жизни? Что он такого в ней изобразил, что все против него ополчились?

Что за светящаяся девочка изображена среди мушкетеров? Почему вооруженный карлик стреляет прямо в толпу стрелков?.. Вопросов очень-очень много.

Увы, Рембрандт нам ничего не оставил: ни книг, ни пояснений.

Но вот если бы он вёл дневник, в котором все тайны раскрыты… давайте представим…

Дневник Рембрандта «Мой успех и мое проклятие»

Автопортрет Рембрандта

Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669. Национальная Лондонская галерея.

«Неделю назад умер сын Титус. Нет никакой надежды его когда-нибудь обнять.

Нет, есть одна лазейка. Я напишу «Блудного сына». Ведь у того отца всегда оставалась надежда обнять своего сына. И однажды он вернулся. Пусть все промотал, зато живой.

Возвращение блудного сына

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1668. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Нет, никому продавать картину не буду. Все равно никто не купит.

Что я делаю не так? Вспомнить бы, с чего все пошло под откос? Ах да, с этого злосчастного «Выступления стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга»!

Да-да, именно с этой работы все пошло не так. Как все счастливо складывалось до неё. И как скверно все пошло после неё.

Рембрандт. Ночной дозор

Рембрандт. Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга (Ночной дозор). 1642. Государственный музей, Амстердам.

До «Ночного дозора» я был удачлив. Что ж, я был резвым малым в молодости. Не сидел сложа руки в ожидании заказчиков. Если надо было, мог и подставного покупателя на аукцион прислать. А как иначе цены на свои картины поднимать!

Можно было, конечно, и натюрмортики для булочников с мясниками стряпать. Но мне хотелось соответствовать своей жене. Как-никак, дочь бургомистра! Она заслуживала обеспеченного мужа. Не на одно же ее наследство жить.

Ночной дозор. О самой загадочной картине Рембрандта

Рембрандт. Блудный сын в таверне. 1635 г. Галерея старых мастеров, Дрезден.

Поэтому мне позарез нужно было добраться до обеспеченных заказчиков. Так что мои махинации с аукционами простительны.

И вот я дождался. Доктор Тульп заказал групповой портрет. О, наконец достойный заказчик, президент гильдии хирургов!

Нужно было создать такую работу, чтобы о ней заговорили. Тогда нужный контингент заказчиков подтянется.

Я думал-думал: чем же я могу отличиться от бесчисленных художников? По технике они мастера, здесь не поспоришь. Ну как я могу тягаться с тем же Хальсом?

Ночной дозор. О самой загадочной картине Рембрандта

Франс Хальс. Групповой портрет офицеров стрелковой роты св. Георгия. 1627 г. Музей Франса Хальса в Харлеме.

В технике я не смогу его превзойти. Я не хочу написать 1000-ый групповой портрет. Мне нужно что-то эдакое! Я хочу быть первым в чем-то!

Я пересмотрел десятки таких портретов. Я пошёл в Палату счета, где мои предшественники изображали бесчисленных хирургов. Тот же Кейзер весьма не дурно 12 лет назад написал “Урок анатомии доктора Эдгердса”.

Но я смутно понимал, что во всех этих портертах чего-то не хватает. Чего-то не хватает…

Кейзер. Урок анатомии доктора Эгбертса

Томас Кейзер. Урок анатомии доктора Эгбертса. 1619. Государственный музей, Амстердам.

Вот они сидят и смотрят. Кто на зрителя, кто на скелет. Разные люди, но почему-то они похожи. Может потому что одеты почти одинаково? Господи, хорошо, что эти пышные воротники вышли из моды!

Ах, вот оно в чем дело! Они похожи, потому что…

у них одинаковое выражение лица! Где эмоции-то? О чем каждый из них думает? Вообще не понять!

Я оживлю своих заказчиков. Пусть они ужасаются, удивляются, изумляются. Нечего истуканами в ряд сидеть, как болванки!

Рембрандт. Урок анатомии доктора Тульпа

Рембрандт. Урок анатомии доктора Тульпа. 1632. Маурицхейс, Гаага.

Как же я был горд собой, когда создал «Урок анатомии доктора Тульпа»!

Ведь очевидно же, что я превзошёл Кейзера!

Кейзер и Рембрандт

Слева: Кейзер. Урок анатомии. 1619. Справа: Рембрандт. Урок анатомии. 1632.

Вот она слава! Публика была в восторге от портрета. Теперь не было смысла посылать на аукционы подставных покупателей. Заказчики и так шли.

И однажды пришел бургомистр Амстердама, Виллем де Кок. Мы выпили, обговорили заказ.

Когда он ушёл, я подпрыгнул от восторга. Бургомистр Амстердама! Да я счастливчик!

Как же я ошибался… это было начало конца…

Он был капитаном стрелковой роты, которая будет охранять испанскую королеву. Скоро та посетит Амстердам. Что ж, эти ребята заслужили того, чтобы быть увековеченными.

Ссылка на онлайн-тесты

Я охотно взялся за работу. Ведь надо было выплачивать увесистый такой кредит за дом. Каждый из офицеров заплатил по 100 гульденов.

Я теперь знаю, в чем моя особенность. Никаких теперь истуканов! Игральные карты пусть мои соперники малюют. А я изображу, как капитан созывает свою роту на защиту города.

Не буду льстить, как другие: пусть будут настоящими. Немного неловкими, неуклюжими, но живыми. Вот даже один у меня такой неловкий, что чуть в соседа не попал. Пальнул прямо в толпу!

Ночной дозор

Рембрандт. Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга (Ночной дозор). 1642. Государственный музей, Амстердам.

Ну ладно, это будет не реальный человек, а неизвестный карлик. Ничего-ничего, переживут.

Но я ещё не закончил работу, как случилось несчастье…

Саския, моя любимая жена, тяжело заболела. Она умерла тёплой летней ночью. Нашему сыну Титусу был всего один год.

Я перенёс ее тело в мастерскую. Я не мог не увековечить ее в последний раз. Я написал светящееся доброе лицо Саскии среди толпы стрелков.

Ночной дохзор (деталь)

Рембрандт. Ночной дозор (деталь).

Я похоронил мою любимую Саскию и продолжил работу. Конечно, я ждал очередного триумфа. Ведь в картине столько движения! Я стоял около неё и слышал барабанную дробь, голоса и шуршание ног.

Но … заказчик оказался откровенно тупоголовым. Видите ли, подавай им чтобы «красиво и похоже»! Возмутило их, почему я внёс других персонажей, которые не платили за присутствие на картине.

Но позвольте, как я изображу толпу с помощью 18 человек. Это мало! Конечно, я внёс ещё 16 персонажей.

А некоторые и вовсе попросили вернуть им свой взнос за картину. Мол, их лица почти не видно. Но как я изображу жизнь и движение, если расставлю их в ряд!

Картина никому не понравилась, кроме капитана. Ещё бы, он в самом центре, во всей красе. Правда он не сразу себя узнал. Но тем не менее копию картины заказал для своего дома.

А остальные объявили мне байкот. Даже лейтенант Рейтеньбюрх. Ему не понравилась двусмысленная тень от руки де Кока на его паху.

Может я и перемудрил. Они уверены, что я посмеялся над ними с помощью этой картины. Может, зря я изобразил карлика за спиной капитана, который случайно выстрелил прямо в толпу…

Они перестали звать меня в свои дома. Не делают заказов. Распускают обо мне нелепицы.

В конце концов я разорился. Мой дом ушёл с молотка.

И только Титус, мой мальчик, спас своего старика.

 

Рембрандт. Титус.

Рембрандт. Титус в образе монаха. 1660 г. Музей Рейксмюсеум, Амстердам. Wikipedia.org

Едва повзрослев, он организовал фирму по продаже картин. Нанял меня, как художника. Только благодаря ему у меня появилась возможность спокойно работать, и не думать, как раздобыть кусок хлеба.

Но Титус умер. Я могу обнять его только в воображении, а ещё на картине…”

Возвращение блудного сына

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1668 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Arthistory.ru

На этом воображаемый дневник Рембрандта обрывается…

***

«Ночной дозор» в XVIII веке был перенесён в Городскую ратушу. Но так как не умещался в простенок между окнами, был обрезан с двух сторон. Так два стрелка слева канули в лету, увы.

В зале, где висел «Ночной дозор», постоянно разжигали камин. За 2 столетия картина покрылась копотью, и фигуры были почти не различимы.

Именно поэтому так назвали картину. На самом деле действие на ней происходит днём.

И только в начале XIX века шедевр перенесли в музей в Амстердаме.

Ночной дозор

Рембрандт. Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга (Ночной дозор). 1642. Государственный музей, Амстердам.

Да, эта работа стала переломной в жизни Рембрандта. В ней он уже однозначно решил выбрать путь свободного художника, который не хочет идти на поводу у вкусов публики.

Может быть, неосознанно. Сначала ему казалось, что он просто ищет способ выделиться среди других.

Но потом понял, что нащупал путь, соответствующий его СУТИ, своей ИСТИННОЙ ЛИЧНОСТИ. И уже не смог отказаться от этого пути.

К сожалению, современники не поняли и отвернулись. Рембрандта оценили лишь будущие поколения. И навсегда записали его в историю искусства.

Спасибо, Рембрандт! Спасибо за честность с самим собой. Спасибо, что выбрал свой путь. Мы помним тебя.

Автопортрет Рембрандта

Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669 г. Национальная Лондонская галерея

 

Ссылка на бесплатный курс

 

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

«Боярыня Морозова» Сурикова: почему это шедевр

Суриков. Боярыня Морозова.

«Боярыня Морозова» — сюжет из русской истории. И это важный момент.

Тенденция преклоняться перед всем западным ближе к концу XIX века пошла на убыль. Впервые за долгое время русские люди стали интересоваться забытым прошлым своей страны.

Это не могло не отразиться на искусстве.

Достоевский в своих романах рассуждает о духовном пути русского человека. В архитектуре расцветает русский романтизм. А Василий Суриков пишет Стеньку Разина, Меньшикова и Ермака.

 
Серов. Портрет Сурикова

Валентин Серов. Портрет Василия Сурикова. 1890-е гг. Третьяковская галерея

Суриков выбрал очень актуальную живописную нишу. Его работы помогали думающим людям найти ответы на вопросы: «Кто такие русские? Как они жили, как одевались, во что верили?»

Но актуальность «Боярыни Морозовой» не ограничена только сюжетом из русской истории. Все гораздо интереснее.

Для этого копнем глубже. В саму историю этой женщины.

А ведь ее жизнь — это настоящий детектив XVII века! В ней было все: и придворные интриги, и несметное богатство. А ещё месть. И увы, трагедия, когда человек теряет все…

Ссылка на бесплатный курс

Главная сила картины — СЮЖЕТ

Феодосия Прокопьевна была близкой родственницей первой жены царя Алексея Михайловича (отца Петра I).

Хрупкая и изящная девушка, Феодосия вышла замуж в 17 лет за одного из самых богатых людей государства — Глеба Ивановича Морозова.

У него была роскошная усадьба, десятки тысяч крестьян. А главное — он был ближайшим советником самого царя! Не было у боярина Морозова только одного — наследника.

И вот молодая жена родила ему долгожданного сына!

Казалось бы, впереди счастливая сытая жизнь… Но одно событие не даст этому случиться.

После реформ патриарха Никона церковь «раскололась» на два противоборствующих лагеря. Феодосия сильно переживала, но твёрдо решила оставаться на стороне старообрядцев.

Затем умер муж, ее защитник. Старообрядцев преследовали. Феодосия не стала скрывать своей веры. Наоборот, активно выражала свое несогласие с нововведениями.

Например, приказала носить себя в кресле на богослужения в «новообрядческие» церкви, показывая своё презрительное отношение к реформе.

Царь был возмущен поведением Морозовой, но за неё вступалась царица — Мария Ильинична Милославская.

 
Портрет царя Алексея Михайловича

Неизвестный мастер (ученик Симона Ушакова). Парсуна «Царь Алексей Михайлович». 1678—1683. Исторический музей в Москве.

Но вскоре и она умерла, и заступиться за боярыню Морозову было уже некому.

А тем временем Алексей Михайлович решил жениться второй раз, на Наталье Кирилловне Нарышкиной (матери Петра I).

В те времена вторую свадьбу играли более скромно, чем первую. Царь же устроил невероятно пышное торжество. То ли Морозова осуждала второй брак, то ли была недовольна чрезмерной пышностью, но факт остаётся фактом — она не пришла на свадьбу!

Алексей Михайлович пришёл в ярость… И приказал арестовать Феодосию.

Ее пытали на дыбе, принуждая отказаться от старой веры. Но она устояла. За это ее уже были готовы сжечь на костре! Но заступились бояре, так как это было слишком жестоко по отношению к представительнице их сословия.

Тогда, чтобы не вызывать много шума, царь приказал тихо и незаметно уморить женщину голодом в тюрьме.

А тем временем все ее имущество было конфисковано и подарено отцу новой царицы.

Вот теперь гораздо проще оценить силу образа боярыни, который создал художник.

Вторая сила картины — ОБРАЗ БОЯРЫНИ

Василий Суриков изображает ключевой момент из истории боярыни Морозовой. Ее везут в боровскую тюрьму, чтобы уморить голодом в земляной яме.

 
Суриков. Боярыня Морозова (фрагмент)

Василий Суриков. Боярыня Морозова (фрагмент). 1883—1887. Третьяковская галерея, Москва.

Она, знатная и богатая, едет на простых санях с соломой. Так художник подчёркивает пережитые унижения: арест, пытки, приговор к сожжению.

Но она по-прежнему не отступает от старой веры. Вся в чёрном, с бледным и худощавым лицом. Она тянет руку с двуперстием вверх.

Она, исхудавшая и подурневшая от пыток, знает, что идёт против системы на верную гибель. Она обречена, но ни за что не отступит.

Яркий, очень запоминающийся образ. За счёт невероятного сочетания физической слабости и духовной силы.

Этот образ Суриков очень долго искал. Случайно увидел женщину на старообрядческом кладбище. Он понял, что такое лицо «сразу всех победит», то есть в толпе станет притягивающим взгляд центром.

Третья сила картины — ОБРАЗ ТОЛПЫ

Суриков создал невероятно красочную и разношерстную толпу. Здесь можно долго разглядывать узорочье старинных одежд.

Между прочим, именно такими они и были у дворян и купцов в XVII веке. Художник сам находил сохранившиеся образцы для того, чтобы реалистично изобразить эпоху.

 
Суриков. Боярыня Морозова (фрагмент)

Василий Суриков. Боярыня Морозова (фрагмент). 1883—1887. Третьяковская галерея, Москва.

Но самое интересное в этой толпе — это эмоции людей!

Кто-то безумно жалеет боярыню и плачет. Кто-то вдохновляется и верит ещё больше. Кто-то поражается такой смелости и силе духа.

А кто-то смеётся: «Это ведь надо быть такой упрямой! Отступи и живи дальше, делов-то. В чем подвиг? Фанатичка…»

 
Суриков. Боярыня Морозова (фрагмент)

Василий Суриков. Боярыня Морозова (фрагмент). 1883—1887. Третьяковская галерея, Москва.

Обратите внимание, что старообрядческим двуперстием боярыне отвечает лишь юродивый, сидящий на снегу. Ему терять нечего. А вот все остальные не готовы так смело идти против царских законов.

Рядом с санями идёт сестра Морозовой, княгиня Урусова.

Василий Суриков. Боярыня Морозова (фрагмент).

Василий Суриков. Боярыня Морозова (фрагмент). 1883—1887. Третьяковская галерея, Москва.

Ей предстоит совершить такой же подвиг. Она погибнет от голода в той же яме на руках у сестры. Но для толпы ее трагедия останется незамеченной. Образ княгини олицетворяет всех безымянных погибших за старую веру.

Ссылка на онлайн-тесты

Четвёртая сила картины — ИСТОРИЧЕСКИЙ КОНТЕКСТ

Суриков. Боярыня Морозова

Василий Суриков. Боярыня Морозова. 1889. Третьяковская галерея, Москва.

История боярыни не просто так тронула сердца людей, живших в конце XIX века.

И не просто так картину купил Павел Третьяков за невероятные по тому времени 25 тысяч (в переводе на наши деньги это примерно 15 миллионов рублей).

Произошедший в XVII веке раскол и в XIX веке делил русский народ на два лагеря. Старообрядцев по-прежнему было много среди купцов. В том числе и Павел Третьяков им был. Да и  сам Василий Суриков вырос в старообрядческой семье.

Так что тема борьбы за свободу вероисповедания была очень болезненной. Актуальность она потеряет лишь спустя 30 лет, после Октябрьской революции. Но тогда на русский народ нагрянет раскол похлеще…

Пятая сила картины — КОМПОЗИЦИЯ

Суриков не боялся многофигурных композиций. Он умел ловко загораживать одного человека другим, создавая реалистичное, но все же гармоничное столпотворение. Никаких театральных расстановок в ряд!

В «Боярыне Морозовой» его толпа, как всегда, превосходно слеплена. Однако не сразу дались… сани. Вернее, их движение.

Они никак не хотели ехать. Встали на месте и все тут!

Чего только не предпринимал Василий Иванович! Менял положение полозьев саней на снегу, угол оглоблей, соединяющих сани и лошадь, – ничего не помогало!

И тут ему пришла в голову идея нарисовать рядом бегущего мальчика! И сани сразу «поехали»! Глядя на них, почти физически ощущаешь, как они едут, упорно раскалывая толпу. Тоже очень интересное решение, созвучное сюжету.

Шестая сила картины — КОЛОРИТ

Суриков понимал, что снег — один из главных героев его картины. Он обязан быть очень реалистичным. Чтобы мы слышали его скрип под полозьями.

 
Суриков. Деталь «Боярыни Морозовой»

Василий Суриков. Боярыня Морозова (деталь). 1883—1887. Третьяковская галерея, Москва.

Со снегом у Василия Ивановича отношения сложились особые. Он писал его только с натуры на улице, стараясь поймать тончайшие оттенки.

Натурщиков он тоже просил позировать на морозе, чтобы уловить оттенки кожи под воздействием холодного воздуха.

В заключение

Через год после написания «Боярыни Морозовой» умерла жена Василия Сурикова, Елизавета Шаре.

Суриков. Автопортрет и портрет Елизаветы Шаре.

Василий Суриков. Автопортрет и портрет Елизаветы Шаре. 1876. Третьяковская галерея, Москва.

Ее здоровье всегда было слабым (порок сердца). Но на какое-то время она почувствовала себя лучше. И художник решился показать ей свою родину: повёз в Сибирь, в Красноярск. Она не выдержала этой поездки.

Он сильно переживал потерю, винил себя в том, что настоял на путешествии. И по-настоящему оправиться так и не смог.

Поэтому «Боярыня Морозова» так и осталась его непревзойденным шедевром. Да, были ещё «Взятие Сибири Ермаком» и «Взятие снежного городка». Но все же они уступают во многом его «Боярыне». 

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

 

Ссылка на бесплатный курс

 

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

 

«Демон» Врубеля: почему это шедевр

Врубель демон

Михаил Врубель. Демон сидящий. 1890 г. Третьяковская галерея

В 2007 году я впервые зашла во врубелевский зал. Свет приглушен. Темные стены. Подходишь к «Демону» и … проваливаешься в потусторонний мир. Мир, в котором живут могучие и грустные существа. Мир, где лилово-красное небо заставляет каменеть гигантские цветы. А пространство похоже на калейдоскоп, и мерещится звон стекла. 

Неповторимый, красочный, притягательный Демон сидит напротив тебя. 

Даже если Вы не разбираетесь в живописи, почувствуете колоссальную энергетику полотна. 

Как Михаилу Врубелю (1856—1910) удалось создать этот шедевр? Все дело в русском ренессансе, выращивании кристаллов, больших глазах и многом другом.

Русский Ренессанс

«Демон» никак не мог родиться раньше. Для его появления нужна была особая атмосфера. Русский ренессанс.

Вспомним, как это было у итальянцев на рубеже XV и XVI веков.

Флоренция процветала. Купцы и банкиры жаждали не только денег, но и духовных наслаждений. Лучшие поэты, живописцы и скульпторы щедро вознаграждались, лишь бы творили. 

Впервые за долгие века заказчиками стали светские люди, а не церковь. А человек из высшего общества не хочет видеть плоское шаблонное лицо и наглухо закрытое тело. Ему хочется красоты. 

Поэтому Мадонны стали человечными и прекрасными, с открытыми плечами и точеными носиками.

Мадонна в зелени фрагмент

Рафаэль. Мадонна в зелени (фрагмент). 1506 г. Музей истории искусств, Вена

Русские художники нечто подобное пережили в середине XIX века. Часть интеллигенции стала сомневаться в божественной природе Христа. 

Кто-то высказывался осторожно, изображая Спасителя очеловеченным. Так, у Крамского сын Божий без нимба, с осунувшимся лицом. 

Христос в пустыне

Иван Крамской. Христос в пустыне (фрагмент). 1872 г. Третьяковская галерея

Кто-то искал выход через обращение к сказкам и языческим образам, как Васнецов. 

Васнецов сирин и алконост

Виктор Васнецов. Сирин и Алконост. 1896 г. Третьяковская галерея

Врубель шёл тем же путём. Он взял мифическое существо, Демона, и наделил его человеческими чертами. Заметьте, что никакой дьявольщины в виде рогов и копыт на картине нет. 

Только название полотна объясняет, кто перед нами. Мы видим в первую очередь красоту. Атлетичное тело на фоне фантастического пейзажа. Чем Вам не Ренессанс?

Ссылка на бесплатный курс

Женственное в образе демона

Демон Врубеля особенный. И дело не только в отсутствии красных злобных глаз и хвоста. 

Перед нами нефилим, падший ангел. Он огромного роста, поэтому не умещается даже в рамки картины. 

Его сцепленные пальцы и опущенные плечи говорят о сложных эмоциях. Ему наскучило творить зло. Он не замечает красоты вокруг себя, так как ничто его не радует.

Он силён, но силу эту некуда девать. Очень необычно положение могучего тела, которое замерло под гнетом душевного смятения.

Фрагмент демон сидящий

Михаил Врубель. Демон сидящий (фрагмент «Лицо демона»). 1890 г.

Обратите внимание: Демон Врубеля имеет необычное лицо. Огромные глаза, длинные волосы, пухлые губы. Несмотря на мускулистое тело, проскальзывает в нем что-то женственное. 

Сам Врубель говорил, что он намеренно создаёт андрогинный образ. Ведь темным может быть и мужской, и женский дух. А значит его изображение должно сочетать в себе черты обоих полов.

Калейдоскоп «Демона»

Современники Врубеля сомневались, что «Демон» относится к живописи. Настолько его работа была необычно написана.

Художник работал частично мастихином (металлическая лопатка для удаления лишней краски), нанося изображение дробно. Поверхность похожа на калейдоскоп или кристалл.

Такая техника вызревала у мастера долго. Его сестра Анна вспоминала, что Врубель интересовался в гимназии выращиванием кристаллов.

А в молодости он обучался у художника Павла Чистякова. Тот учил разделять пространство на грани, выискивая объем. Врубель с восторгом перенял этот метод, так как он хорошо сочетался с его замыслами.

Портрет усольцевой врубель

Михаил Врубель. Портрет В.А. Усольцевой. 1905 г.

Фантастический цвет «Демона»

Демон сидящий деталь

Врубель. Деталь картины «Демон сидящий». 1890 г.

Врубель был сверхъестественным колористом. Он мог многое. Например, с помощью лишь белого и чёрного создать ощущение цветного за счёт тончайших оттенков серого.

И когда Вы вспоминаете «Свидание Тамары и Демона», то оно рисуется в Вашем воображении цветным.

Свидание Тамары и демона врубель

Михаил Врубель. Свидание Тамары и Демона. 1890 г. Третьяковская галерея

Поэтому ничего удивительного, что такой мастер создаёт непривычный колорит, чем-то схожий с Васнецовским. Помните необычное небо в «Трёх царевнах»? 

Васнецов три царевны

Виктор Васнецов. Три царевны подземного царства. 1881 г. Третьяковская галерея

У Врубеля хоть и просматривается трёхцветка: синий — жёлтый — красный, — но оттенки необычны. Поэтому ничего удивительного, что в конце XIX века такой живописи не понимали. «Демона» Врубеля называли грубым, топорным.

А вот в начале XX века, в эпоху модерна, Врубеля уже боготворили. Такая неординарность цветов и форм только приветствовалась. И публике художник стал очень близким. Теперь его сравнивали с такими «чудаками», как Матисс и Пикассо. 

Ссылка на онлайн-тесты

«Демон» как наваждение

Спустя 10 лет после «Демона сидящего» Врубель создал «Демона поверженного». И так получилось, что по окончании этой работы художник попал в психиатрическую клинику.

Поэтому считается, что «Демон» одолел Врубеля, свёл его с ума. 

Я думаю, что это не так. 

Демон поверженный

Михаил Врубель. Демон поверженный. 1902 г. Третьяковская галерея

Ему был интересен этот образ, и он прорабатывал его. Это обычное дело для художника — возвращаться к одному образу несколько раз. 

Так, Мунк вернулся к «Крику» через 17 лет. 

Клод Моне написал десятки вариантов Руанского собора, а Рембрандт десятки автопортретов в течение всей жизни. 

Один и тот же образ помогает художнику ставить живописные зарубки на ленте времени. Через несколько лет мастеру важно оценить, что в результате наработанного опыта изменилось.

Если отбросить все мистическое, то «Демон» не виноват в болезни Врубеля. Все гораздо прозаичнее. 

Врубель автопортрет с жемчужной раковиной

Михаил Врубель. Автопортрет с жемчужной раковиной. 1905 г. Русский музей

В начале 90-х годов XIX века он заразился сифилисом. Тогда антибиотиков не было, и возбудитель болезни — бледная трепонема — сделала своё дело. 

Через 10—15 лет после инфицирования у больных поражается центральная нервная система. Раздражительность, потеря памяти, а затем бред и галлюцинации. Еще атрофируются зрительные нервы. Все это в конечном счете и случилось с Врубелем. 

Он умер в 1910 году. До изобретения пенициллина оставалось ещё долгих 18 лет.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

 

Ссылка на бесплатный курс

 

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

«Вечерний звон» Левитана. Уединение, звучание и настроение

Левитан вечерний звон

Исаак Левитан. Вечерний звон. 1892. Третьяковская галерея, Москва.

Летом 1891 года Исаак Левитан отправился на Волгу. Уже несколько лет он ездил по речным просторам в поисках мотивов.

И нашёл потрясающий пейзажный сюжет. Кривоозерский монастырь был окружён тремя озёрами. Он смиренно выглядывал из гущи леса.

Левитан обожал такие находки. Уединенность обители не терпелось перенести на холст.

Воткнут знаменитый белый зонт. Этюд готов. Позже написана картина «Тихая обитель». А еще через год — более торжественный «Вечерний звон».

Посмотрим на картину поближе. И начнём с того, что изображённого на картине места не существует…

Пейзаж из «Вечернего звона» выдуманный

Левитан работал на натуре, чтобы запечатлеть общие черты пейзажа. Но затем в студии придумывал своё, уникальное.

Рисунок Тихая обитель левитан

Исаак Левитан. Рисунок к картине «Тихая обитель». 1891. Третьяковская галерея, Москва.

«Вечерний звон» не исключение. Кривоозерский монастырь со своими окрестностями узнаваем, но он не был скопирован. Шпиль заменен на шатровый купол. А озёра — на излучину реки.

Поэтому-то и неправильно Левитана называть в этот период импрессионистом. Он не запечатлевал то, что видел. А выдумывал, выстраивая по своему усмотрению композицию картины.

Кривоозерский монастырь не сохранился. После революции в нем  держали малолетних преступников, потом хранили колхозную картошку. А затем и вовсе затопили при создании Горьковского водохранилища.

Ссылка на бесплатный курс

Сначала была «Тихая обитель»

«Вечерний звон» появился не сразу. Сначала Левитан написал по мотивам Кривоозерского монастыря другую картину — «Тихую обитель».

Левитан тихая обитель

Исаак Левитан. Тихая обитель. 1891. Третьяковская галерея, Москва.

Видно, что обе картины несут одну идею. Художник показывает отгороженность от суеты мира. А с помощью тропинок и мостиков он влечёт нас в это уединенное светлое место.

Однако картины отличаются звучанием. «Тихая обитель» более минорная. Нет людей. Тут солнце ниже, а значит, краски темнее. Уединенность в этой работе более однозначная, эталонная.

Картина «Вечерний звон» многолюдна (по левитановским меркам), и предзакатного солнца в ней явно больше. Да и простора тоже. Передний берег уже погрузился в сумерки. А яркие краски противоположного берега приковывают взгляд. Туда непременно хочется попасть. Особенно под звон колоколов…

Звук на картине — непростая задача

Назвав картину «Вечерний звон», Левитан поставил перед собой сверхзадачу — изобразить звук.

Живопись и звук кажутся несовместимыми.

Но Левитану удается вплести музыку в пейзаж. Причём это выглядит легко читаемым посланием.

Мастер как бы говорит зрителю: «Моя картина называется «Вечерний звон». А значит представь мелодичный перелив колокольных голосов. А я поддержу твоё воображение. Легкой рябью на воде. Рваными облачками на небе. Оттенками желтого и охристого, так подходящими к мелодичной скороговорке».

Такое же послание мы наблюдаем у Анри Лероля, французского художника-реалиста. Он написал «Репетицию с органом» примерно в то же время.

Лероль репетиция с органом

Анри Лероль. Репетиция с органом. 1887. Музей Метрополитен, Нью-Йорк, США.

Он также пишет простор, только внутри собора. Здесь обитает звук голоса. А дальше — подсказка художника. Ритмичная лепнина как бы обозначает звуковые волны. Здесь же изображены слушатели, к которым мы мысленно присоединяемся.

Слушатели есть и в «Вечернем звоне». Только с ними не все так просто.

Неудачные детали картины «Вечерний звон»

Левитан не любил изображать людей. Фигура ему давалась гораздо хуже, чем пейзаж.

Но иногда персонажи явно просились на полотно. В том числе на картину «Осенний день. Сокольники».

Парк сложно назвать парком, если он безлюден. Левитан не стал рисковать. Нарисовать фигуру девушки доверил Николаю Чехову (брату писателя).

Левитан осенний день

Исаак Левитан. Осенний день. Сокольники. 1879. Третьяковская галерея, Москва.

На картину «Вечерний звон» фигуры тоже просились. С ними проще представить звук.

Левитан изобразил их сам. Но даже такие мелкие персонажи вышли не очень удачными. Не хочется критиковать мастера, но детали уж очень занимательные. 

Посмотрите на сидящую фигуру в одной из лодок. Она кажется слишком мелкой для переднего плана. Хотя, может, Левитан изобразил ребёнка. Но судя по очертаниям, это скорее женщина. 

Вечерний звон Левитан фрагмент

Исаак Левитан. Вечерний звон (фрагмент). 1892. Третьяковская галерея, Москва.

А ещё мы видим толпу на лодке посередине реки. Фигуры людей слишком миниатюрные, чтобы к ним придираться.

Но вот с лодкой что-то явно не то. Как-то она странно накренилась. А еще сливается с отражением в воде. 

Честно говоря, я этой лодки долго не замечала. Вопрос: зачем она тогда понадобилась. Ведь зритель ее не замечает. А когда замечает, озадачивается ее перекошенным видом.

Может быть, поэтому работу не стал покупать Павел Третьяков? Он был придирчив к живописным достоинствам картин. И даже мог попросить художника внести поправки.

То есть Третьяков видел картину на выставке, но не купил. Она досталась дворянской семье Ратьковых-Рожновых. Они владели несколькими доходными домами в Санкт-Петербурге.

Но картина все же попала в Третьяковку. Когда остатки семьи бежали в Европу в 1918 году, спешно передали ее музею.

Ссылка на онлайн-тесты

«Вечерний звон» — пейзаж настроения

Вечерний звон Исаак Левитан

Исаак Левитан. Вечерний звон. 1892. Третьяковская галерея, Москва.

«Вечерний звон» — одна из самых популярных картин Левитана. Шансов остаться незамеченной у неё не было. В ней собрано все то, что вызывает самые приятные чувства.

Кому бы не хотелось посидеть на берегу в теплый сентябрьский вечер! Смотреть на тихую водную гладь, белые стены монастыря, утопающего в зелени, и розовеющее вечернее небо.

Умиление, тихая радость, умиротворение. Поэзия природы, написанная маслом.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

 

Ссылка на бесплатный курс

 

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Над вечным покоем. Философия Левитана

Над вечным покоем

Исаак Левитан. Над вечным покоем. 152 х 207.5 см. 1894. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Исаак Левитан (1860—1900) считал, что в картине «Над вечным покоем» отражается его сущность, его психика.

Но знают эту работу меньше, чем «Золотую осень» и «Март». Ведь последние включены в школьную программу. А вот картина с могильными крестами туда не вписалась.

Время познакомиться с шедевром Левитана поближе.

Читать далее