Картины Левитана. 5 шедевров художника-поэта


Левитан. Золотая осень

Говорят, что Исаак Левитан был меланхоликом. А его картины — это отражение тревожной и мечущейся души художника. Так как же объяснить такое количество мажорных картин у мастера?

И даже если мы возьмём более минорные картины Левитана, как ему удаётся удерживать наше внимание? Ведь на них почти ничего нет! Разве что несколько тонких деревьев и вода с небом на три четверти полотна.

А ещё говорят, что Левитан создавал лиричные, поэтичные картины. Но в чем это выражается? И вообще, почему его пейзажи такие запоминающиеся? Ведь это просто деревья, просто трава…

Сегодня рассуждаем о Левитане, о его феномене. На примере пяти его выдающихся шедевров.

Берёзовая Роща. 1885-1889

Левитан. Березовая роща

Исаак Левитан. Березовая роща. 1885-1889. Третьяковская галерея, Москва. Tretyakovgallery.ru.

Летние солнечные лучи красиво смешиваются с зеленью, образуя желто-бело-зелёный ковёр.

Необычный для русских художников пейзаж. Слишком непривычный. Настоящий импрессионизм. Множество солнечных бликов. Иллюзия трепетания воздуха. 

Давайте сравним его картину с «Березовой рощей» Куинджи. 

Куинджи и Серов

Слева: Архип Куинджи. Березовая роща. 1879. Справа: Исаак Левитан. Березовая роща. 1885-1889. Третьяковская галерея, Москва. Tretyakovgallery.ru.

У Куинджи мы видим низкий горизонт. Березы столь огромны, что не вмещаются в картину. При этом преобладает линия — все детали четкие. И даже блики на березах хорошо очерчены.

Поэтому создается общее впечатление величественной, монументальной природы.

У Левитана же мы видим более высокий горизонт, отсутствие неба. Линия рисунка выражена слабее. Свет на его картине чувствует себя свободно, ложась множеством бликов на траву и деревья. 

Березы при этом художник тоже «обрубает» рамой. Но по другой причине. Фокус направлен вниз, на траву. Поэтому деревья не поместились полностью.

В буквальном смысле у Левитана более приземлённый взгляд на пространство. Поэтому его природа выглядит повседневной. Ею хочется любоваться каждый день. В ней нет торжественности Куинджи. Она приносит лишь простую радость.

Это и правда очень похоже на пейзажи французских импрессионистов, которые изображали красоту повседневной природы.

Но несмотря на сходство, в одном Левитан сильно от них отличался.

Кажется, что он написал картину быстро, как это и принято у импрессионистов. За 30-60 минут, пока солнце вовсю играет в листве.

На самом деле художник писал работу долго. Четыре года! Начал он работу в 1885 году, в районе Истры и Нового Иерусалима. А закончил в 1889, уже в Плесе, в березовой роще на окраине городка.

И это удивительно, что написанная в разных местах с таким длительным перерывом картина не потеряла ощущения момента «здесь и сейчас».

Да, Левитан обладал невероятной памятью. Он мог возвращаться в уже прожитые впечатления и как будто переживать их заново с той же силой. А потом от души делился этими впечатлениями с нами.

Золотая осень. 1889

Левитан. Золотая осень

Исаак Левитан. Золотая осень. 1889. Третьяковская галерея, Москва. Tretyakovgallery.ru.

Осень Левитана вспыхнула самым ярким цветом. Да ещё так удачно развеялись облака. Но ещё чуть-чуть – и ветер быстро сдует листья и выпадет первый мокрый снег.

Да, художнику удалось запечатлеть осень на пике ее красоты.

Но что еще делает эту картину Левитана настолько запоминающейся?

Давайте сравним ее с работой Поленова на тему осени.

Поленов и Левитан

Слева: Василий Поленов. Золотая осень. 1893. Музей-заповедник Поленово, Тульская область. Справа: Исаак Левитан. 1889. Третьяковская галерея, Москва. Tretyakovgallery.ru.

У Поленова мы видим больше полутонов в осенней листве. У Левитана же цветовой аккорд однообразен. А главное — он более яркий.

К тому же Поленов накладывает краску тонким слоем. Левитан же использует местами очень пастозные мазки, что делает цвет еще более насыщенным.

И вот тут мы подошли к главному секрету картины. Яркий, тёплый цвет листвы, усиленный густым наложением краски, противопоставлен очень холодным голубым оттенкам реки и неба.

Это очень сильный контраст, которого у Поленова нет.

Именно эта осенняя выразительность нас и привлекает. Левитан словно показал нам душу осени, тёплой и холодной одновременно.

Ссылка на бесплатный курс

Март. 1895

Левитан март

Исаак Левитан. Март. 1895. Третьяковская галерея, Москва. Tretyalovgallery.ru.

Яркое безоблачное небо. А под ним уже не совсем белый снег, слишком яркие блики солнца на досках у крыльца, оголившаяся земля дороги.

Да, определенно Левитану удалось передать все признаки скорой смены времён года. Ещё зима, но с вкраплениями весны.

Давайте сравним «Март» с картиной Константина Коровина «Зимой». На обеих снег, лошадь с дровнями, дом. Но насколько же они разные по настроению!

Коровин и Левитан

Слева: Константин Коровин. Зимой. 1894. Третьяковская галерея, Москва. Wikimedia Commons. Справа: Исаак Левитан. Март. 1895. Третьяковская галерея, Москва. Treryakovgallery.ru.

Охристые и голубые оттенки Левитана делают картину мажорной. У Коровина же много серого цвета. И лишь горчичный оттенок дровней вносит некоторое оживление.

У Коровина лошадь даже чёрная. Да и мордой от нас повернута. И вот мы уже ощущаем бесконечную череду темных холодных зимних дней. И ещё больше чувствуем радость прихода весны у Левитана.

Но не только это делает картину «Март» такой запоминающейся.

Обратите внимание: на ней безлюдно. Однако люди присутствуют незримо. Вот кто-то буквально полминуты назад оставил лошадь с дровнями у входа, распахнул дверь, да так и не закрыл ее. Видимо, ненадолго зашёл.

Не любил Левитан писать людей. Но почти всегда обозначал их присутствие где-то поблизости. В «Марте» даже в буквальном смысле. Мы видим следы, ведущие от лошадки в сторону леса.

Такой приём Левитан использует неслучайно. Ещё его учитель Алексей Саврасов настаивал на том, как важно оставлять человеческий след в любом пейзаже. Только тогда картина становится живой и многослойной.

По одной простой причине: лодка у берега, домик вдали или скворечник на дереве — это объекты, которые запускают ассоциации. Тогда пейзаж начинает «говорить» о хрупкости жизни, домашнем уюте, об одиночестве или единении с природой. 

Заметили признаки присутствия человека в предыдущей картине – «Золотой осени»?

У омута. 1892

Левитан. У омута

Исаак Левитан. У омута. 1892. Третьяковская галерея, Москва. Tretyakovgallery.ru.

До этого мы посмотрели с вами самые мажорные пейзажи Левитана. Но у него было немало и минорных. В том числе картина «У омута».

Рассматривая именно этой пейзаж Левитана, проще всего почувствовать грусть, тоску и даже страх. И вот это самое удивительное. Ведь на картине по сути ничего не происходит! Нет ни людей. Ни тем более леших с русалками.

Что же делает пейзаж таким драматичным?

Да, у картины темный колорит: пасмурное небо и темный лес. Но все это усиливается ещё особой композицией.

Нарисована тропинка, которая как бы предлагает зрителю пройти по ней. И вот вы уже мысленно идёте по шаткой доске, потом по скользким от влаги брёвнам, а перил нет! Можно и упасть, а глубоко: омут же.

Но если пройдёте, дальше дорога уведёт в густой, темный лес. 

Давайте сравним «У омута» с картиной «Лесные дали». Это поможет нам почувствовать всю тревожность рассматриваемой картины.

Лесные дали и У омута

Слева: Исаак Левитан. Лесные дали. 1890-е. Новгородский художественный музей. Artchive.ru. Справа: Исаак Левитан. У омута. 1892. Третьяковская галерея, Москва. Tretyakovgallery.ru.

Вроде также тропинка заманивает нас в лес и на картине слева. Но при этом мы смотрим на него сверху. Мы чувствуем доброту этого леса, покорно распластавшегося под высоким небом. 

Лес на картине «У омута» совсем иной. Он как будто хочет поглотить вас и не отпускать. В общем, тревожно…

И вот тут открывается ещё один секрет Левитана, который помогает делать пейзажи столь поэтичными. Картина «У омута» легко отвечает на этот вопрос.

Тревогу можно изобразить в лоб, с помощью эмоционально подавленного человека. Но это как проза. А вот стихотворение будет говорить о грусти намеками и созданием нестандартных образов.

Так и картина Левитана лишь особыми намеками, выраженными в деталях пейзажа, приводит к этому неприятному ощущению.
Ссылка на онлайн-тесты

Весна. Большая вода. 1897

Левитан. Весна — большая вода

Исаак Левитан. Весна. Большая вода. 1897. Третьяковская галерея, Москва, Wikimedia Commons.

Пространство картины «Весна. Большая вода» прорезают линии тонких деревьев и их отражений в воде. Цвет почти монохромен, а деталей по минимуму.

Несмотря на это, картина тоже поэтична и эмоциональна.

Здесь мы видим умение сказать главное парой слов, сыграть великое произведение на двух струнах, выразить красоту скудной русской природы с помощью двух цветов.

Так могут только самые талантливые мастера. Так мог и Левитан. Учился он у Саврасова. Тот первым в русской живописи не побоялся изобразить скудную русскую природу.

Саврасов и Левитан

Слева: Алексей Саврасов. Зимняя дорога. 1870-е. Музей Республики Беларусь, Минск. Tanais.info. Справа: Исаак Левитан. Весна. Большая вода. 1897. Третьяковская галерея, Москва. Tretyakovgallery.ru.

Так в чем же секрет притягательности левитановской «Весны»?

Все дело в противопоставлении. Тонкие, очень тонкие деревья — против такой стихии, как сильный разлив реки. И вот уже появляется щемящее чувство тревоги. К тому же на заднем плане вода подтопила и несколько сарайчиков.

Но при этом река спокойна и однажды все равно отступит, это происшествие циклично и предсказуемо. Тревоге нет смысла разрастаться.

Это, конечно, не та чистая радость «Березовой рощи». Но и не всепоглощающая тревожность картины «У омута». Это как будто повседневная драма жизни. Когда чёрная полоса непременно сменяется белой.

***

Подведем итоги о Левитане

Серов. Портрет Левитана

Валентин Серов. Портрет И. И. Левитана. 1890-е. Третьяковская галерея, Москва.

Левитан не был импрессионистом. Да и работал над картинами подолгу. Но охотно использовал некоторые живописные приёмы этого направления, например широкие пастозные мазки.

Золотая осень (фрагмент)

Исаак Левитан. Золотая осень (фрагмент).

Левитану всегда хотелось показать нечто большее, чем только отношения между светом и тенью. Он создавал живописную поэзию.

В его картинах мало внешних эффектов, зато есть душа. Разными намеками он вызывает у зрителя ассоциации и побуждает к размышлению.

А ещё Левитан вряд ли был меланхоликом. Ведь как тогда у него появились такие мажорные работы, как «Берёзовая роща» или «Золотая осень»?

Он обладал повышенной чувствительностью и испытывал очень широкий диапазон эмоций. Поэтому он мог безудержно радоваться и бесконечно грустить.

Эти эмоции буквально раздирали ему сердце – он не всегда мог справиться с ними. И оно не выдержало. Художник не дожил до своего 40-летия буквально несколько недель…

Но после себя он оставил не просто красивые пейзажи. Это отражение его души. Нет, на самом деле, наших душ.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

 

О Левитане и не только — в онлайн-курсе «Дневник Русской Живописи».

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Самые известные картины русских художников

Самые известные картины русских художников

Эти картины впечатались в сознание каждого русского человека. Они известны каждому из нас с детства. Они неотъемлемая часть русской культуры. И хотя бы поэтому заслуживают, чтобы мы о них знали немного больше.

Пройдемся по списку самых выдающихся полотен русских художников. А главное — разберёмся, почему ими так восхищаются.

А чтобы не заскучать, разбавим важные знания интересными фактами. Узнаем, как Александр Иванов хотел переплюнуть Карла Брюллова. А Илья Репин уничтожил своих «Бурлаков» из-за критики Ивана Шишкина.

1. «Последний день Помпеи» Брюллова (1833 г.)

Карл Брюллов. Последний день Помпеи.

Карл Брюллов. Последний день Помпеи. 1833 г. Государственный Русский музей.

Без преувеличения мы знаем о трагедии Помпей в первую очередь благодаря Карлу Брюллову (1799—1852). Когда-то он произвёл фурор и в Италии, и в России своим шедевром. И все потому, что он нашёл удивительный баланс между правдой и вымыслом.

Брюллов изобразил настоящую улицу. И даже часть героев — это реальные люди. Их останки Брюллов видел при раскопках.

Но художник показал эту катастрофу безумно … красивой. Коей она, конечно, не была в реальности.

Получается, что зритель сочувствует этим людям. Но не ужасается страшным подробностям. Несчастные Брюллова божественно прекрасны даже за мгновение до смерти.

«Последний день Помпеи» никто не смог превзойти по популярности у современников. Художника носили на руках: ведь он разделил историю русской живописи на «до и после». С тех пор, с 1833 года, о русском искусстве заговорил весь мир.

О картине читайте в статье «Последний день Помпеи: почему это шедевр»

2. «Девятый вал» Айвазовского (1850 г.)

Иван Айвазовский. Девятый вал.

Иван Айвазовский. Девятый вал. 1850 г. Русский музей, Санкт-Петербург.

Карл Брюллов сказал, что чувствует соль на губах, когда смотрит на «Девятый вал» Ивана Айвазовского (1817—1900). Реалистично — это не то слово. Но не все так просто.

В открытом море волновые фартуки НЕ встречаются. Загибы у волн образуются только у берега. Поэтому серферам в открытом море делать нечего.

Иван Айвазовский пошёл на эту хитрость, чтобы буйство природы сделать … эффектнее. Ведь, как и Брюллов, он был романтиком и воспевал величие стихии.

У «Девятого вала» были все шансы стать шедевром. Айвазовский был единственным русским маринистом в то время. При этом работал невероятно мастерски. Да ещё и показал душещипательную трагедию моряков.

О картине читайте в статье «Девятый вал: почему это шедевр».

3. «Явление Христа народу» Иванова (1857 г.)

Иванов «Явление Христа народу»

Александр Иванов. Явление Христа народу. 1837—1857 гг. Третьяковская галерея.

Александр Иванов (1806—1858) очень хотел затмить Брюллова с его «Помпеями». Взял полотно в 2 раза больше. И работал в 4 раза дольше (20 лет против брюлловских пяти).

Но что-то пошло не так. Никто Иванова на руках не носил (хотя он надеялся на это). Триумф не состоялся.

Публика не оценила ряд из 35 персонажей в разноцветных хитонах. К тому же картина сложно «читается»: ведь у каждого из этих персонажей своя реакция на первое появление Христа! Кто-то радуется. Кто-то сомневается, что это «Агнец Божий». А кто-то и злится, так как выискался новый конкурент.

Да, в картине нет эффектного буйства стихии, как у Брюллова и Айвазовского. И нет повода для сочувствия  по поводу трагичной судьбы главных героев.

А публика привыкла к спецэффектам: вот и не впечатлилась. Что ж, в наше время голливудские блокбастеры тоже более популярны, чем авторское кино.

Ссылка на бесплатный курс

Но на самом деле Иванов осуществил в одиночку революцию в русской живописи. Переход от театральных и помпезных историй  к переживаниям обычных людей.

И русские реалисты (Репин, Крамской, Саврасов и прочие) стали такими, какими мы их знаем, только благодаря живописным подвигам Иванова.

О картине читайте в статье «Явление Христа народу: в чем успех и провал картины».

4. «Грачи прилетели» Саврасова (1871 г.)

Алексей Саврасов. Грачи прилетели.

Алексей Саврасов. Грачи прилетели. 1871 г. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.

Алексей Саврасов (1830—1897), как и Александр Иванов, совершил революцию. Но более узкоспециализированную. В области пейзажа.

Именно с работы «Грачи прилетели» началась эпоха пейзажа настроения.

Картина имеет один парадокс.

С одной стороны, пейзаж … скучный и монохромный. А что ещё можно ожидать от конца марта, да ещё в малоухоженной русской глубинке? Тут уж слякоть, серый цвет и обветшалость обеспечены.

Но каким-то волшебным образом нам все это кажется милым и душевным. Секрет — в тонком направлении зрителя к приятным эмоциям.

Ведь художник выбрал очень интересный момент: ещё холодно, но уже вот-вот придёт тепло. Это ощущение скорых перемен к лучшему нам и нравится.

Отсюда приятные ощущения, казалось бы, без повода. Просто он еле уловим.

С тех пор, как Саврасов создал своих «Грачей» в 1871 году, почти все русские пейзажи были именно такими — поэтичными и настроенческими.

О картине читайте в статье «Грачи прилетели: почему картина стала культовой»

Ссылка на онлайн-тесты

5. «Бурлаки на Волге» Репина (1870—1873)

Илья Репин. Бурлаки на Волге.

Илья Репин. Бурлаки на Волге. 1870—1873 гг. Государственный Русский музей.

«Бурлаки на Волге» — главный шедевр Ильи Репина (1844—1930). Хотя создал художник его, когда ему не было и 30 лет.

Картина стала особенно популярной в советское время. Очень уж такой сюжет подходил под идеологию об угнетённых. Так что видели мы ее и в учебниках, и на спичечных коробках.

Помните, я рассказывала выше про революцию Александра Иванова? Он первым в русской живописи поставил в ряд обычных людей и наделил их разными эмоциями.

Так вот Репин все уроки Иванова усвоил. Но довёл реализм до абсолюта.

Позировали художнику реальные бурлаки. Мы знаем их имена и судьбы (то есть этим людям повезло: они вошли в историю).

Их внешний вид невероятно правдоподобен. Именно такой одежда и становится от многолетнего ношения и ходьбы по прибрежному бурелому.

В этом плане Иванов ещё был классицистом: хитоны его героев слишком чистые, как в витрине магазина.

Но не только оборванный вид бедняков заставляет нас им посочувствовать.

Художник ещё и пароход вдали нарисовал. Мол, уже двигатели изобрели, а все над людьми издеваются. Да, русские художники любили добавить вот это «Ах, как нехорошо».

О картине читайте также в статье «Бурлаки на Волге: почему картина стала культовой»

6. «Девочка с персиками» Серова (1887 г.)

Валентин Серов. Девочка с персиками.

Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887 г. Третьяковская галерея, Москва.

Валентин Серов (1865—1911) был ещё моложе Репина, когда создал «Девочку с персиками», свой главный шедевр. Ему было 22 года! 

Видимо это особенность русских художников такая — главные свои творения выдавать по молодости: что Брюллов, что Репин. И Серов – туда же.

А если серьёзно, то поражает в этой работе совсем другое. Она написана в стиле импрессионизма. И это тогда, когда в России почти ничего не знали об этом направлении живописи!

Но Серов интуитивно написал картину с цветными тенями, разноцветными рефлексами (цветными пятнышками-отражениями одних объектов на других), видимыми мазками.

Да и сюжет тоже в духе Ренуара и Моне: будто разрумяненная на свежем воздухе девочка вбежала в комнату и присела на минутку съесть персик.

Благодаря этой картине в русскую живопись робко «постучался» импрессионизм. И всеохватный реализм немного посторонился. 

О картине читайте в статье «Девочка с персиками: жизнь и творчество Серова в одной картине».

7. «Утро в сосновом лесу» Шишкина (1889 г.)

Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу.

Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889 г. Третьяковская галерея.

Иван Шишкин (1832—1898) мог себе позволить критиковать других художников. Вот и Илье Репину от него досталось. Он обругал неправильно нарисованные деревья на картине «Бурлаки на Волге». 

Репин своих первых «Бурлаков» уничтожил. А на той картине, которую мы знаем, на всякий случай не стал изображать деревья. Дабы не злить Шишкина.

Да, Шишкин был глыбой реализма. Его натуралистичность поражает. Стоя перед его «Мишками», можно запросто почувствовать утреннюю влажность воздуха и услышать треск сучьев. Изумрудный мох, серо-голубой туман и охристые стволы старых сосен создают невероятную ауру лесной чащи. 

Фотографии такое не подвластно. Поэтому нет смысла говорить о том, что шишкинский реализм не нужен в эпоху моментальных снимков. И неизменная любовь людей к его «Мишкам» — тому подтверждение.

О картине читайте в статье «Мишки в сосновом лесу: иной взгляд на шедевр».

В заключение. Немного об истории русской живописи

Вспоминая эти 7 потрясающих русских шедевров, мы заодно и в истории русской живописи немного разобрались.

В начале XIX века писали катастрофы, но не русские: либо несчастья древних римлян (Брюллов), либо отчаянную борьбу иноземных моряков с буйным морем (Айвазовский). Во всем этом много театральных страстей.

Потом пришёл Иванов и создал тихий шедевр: много людей и все со своими эмоциями. Работа оказалась этаким смешением реализма и классицизма (подвели художника нереалистичные хитоны).

Но именно с Иванова начинается в русской живописи эпоха реализма (Репин, Саврасов, Шишкин).

И лишь Серов сделал робкую попытку этот реализм пошатнуть, внеся в русскую живопись немного импрессионизма.

PS. Читайте также мои статьи о таких русских шедеврах, как:

«Христос в пустыне» Крамского

«Демон сидящий» Врубеля

«Вечерний звон» Левитана

«Над вечным покоем» Левитана

«Боярыня Морозова» Сурикова 

«Купание красного коня» Петрова-Водкина

«Чёрный квадрат» Малевича

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

 

Ссылка на бесплатный курс

 

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Англоязычная версия статьи

«Демон» Врубеля: почему это шедевр

Врубель демон

Михаил Врубель. Демон сидящий. 1890 г. Третьяковская галерея

В 2007 году я впервые зашла во врубелевский зал. Свет приглушен. Темные стены. Подходишь к «Демону» и … проваливаешься в потусторонний мир. Мир, в котором живут могучие и грустные существа. Мир, где лилово-красное небо заставляет каменеть гигантские цветы. А пространство похоже на калейдоскоп, и мерещится звон стекла. 

Неповторимый, красочный, притягательный Демон сидит напротив тебя. 

Даже если Вы не разбираетесь в живописи, почувствуете колоссальную энергетику полотна. 

Как Михаилу Врубелю (1856—1910) удалось создать этот шедевр? Все дело в русском ренессансе, выращивании кристаллов, больших глазах и многом другом.

Русский Ренессанс

«Демон» никак не мог родиться раньше. Для его появления нужна была особая атмосфера. Русский ренессанс.

Вспомним, как это было у итальянцев на рубеже XV и XVI веков.

Флоренция процветала. Купцы и банкиры жаждали не только денег, но и духовных наслаждений. Лучшие поэты, живописцы и скульпторы щедро вознаграждались, лишь бы творили. 

Впервые за долгие века заказчиками стали светские люди, а не церковь. А человек из высшего общества не хочет видеть плоское шаблонное лицо и наглухо закрытое тело. Ему хочется красоты. 

Поэтому Мадонны стали человечными и прекрасными, с открытыми плечами и точеными носиками.

Мадонна в зелени фрагмент

Рафаэль. Мадонна в зелени (фрагмент). 1506 г. Музей истории искусств, Вена

Русские художники нечто подобное пережили в середине XIX века. Часть интеллигенции стала сомневаться в божественной природе Христа. 

Кто-то высказывался осторожно, изображая Спасителя очеловеченным. Так, у Крамского сын Божий без нимба, с осунувшимся лицом. 

Христос в пустыне

Иван Крамской. Христос в пустыне (фрагмент). 1872 г. Третьяковская галерея

Кто-то искал выход через обращение к сказкам и языческим образам, как Васнецов. 

Васнецов сирин и алконост

Виктор Васнецов. Сирин и Алконост. 1896 г. Третьяковская галерея

Врубель шёл тем же путём. Он взял мифическое существо, Демона, и наделил его человеческими чертами. Заметьте, что никакой дьявольщины в виде рогов и копыт на картине нет. 

Только название полотна объясняет, кто перед нами. Мы видим в первую очередь красоту. Атлетичное тело на фоне фантастического пейзажа. Чем Вам не Ренессанс?

Ссылка на бесплатный курс

Женственное в образе демона

Демон Врубеля особенный. И дело не только в отсутствии красных злобных глаз и хвоста. 

Перед нами нефилим, падший ангел. Он огромного роста, поэтому не умещается даже в рамки картины. 

Его сцепленные пальцы и опущенные плечи говорят о сложных эмоциях. Ему наскучило творить зло. Он не замечает красоты вокруг себя, так как ничто его не радует.

Он силён, но силу эту некуда девать. Очень необычно положение могучего тела, которое замерло под гнетом душевного смятения.

Фрагмент демон сидящий

Михаил Врубель. Демон сидящий (фрагмент «Лицо демона»). 1890 г.

Обратите внимание: Демон Врубеля имеет необычное лицо. Огромные глаза, длинные волосы, пухлые губы. Несмотря на мускулистое тело, проскальзывает в нем что-то женственное. 

Сам Врубель говорил, что он намеренно создаёт андрогинный образ. Ведь темным может быть и мужской, и женский дух. А значит его изображение должно сочетать в себе черты обоих полов.

Калейдоскоп «Демона»

Современники Врубеля сомневались, что «Демон» относится к живописи. Настолько его работа была необычно написана.

Художник работал частично мастихином (металлическая лопатка для удаления лишней краски), нанося изображение дробно. Поверхность похожа на калейдоскоп или кристалл.

Такая техника вызревала у мастера долго. Его сестра Анна вспоминала, что Врубель интересовался в гимназии выращиванием кристаллов.

А в молодости он обучался у художника Павла Чистякова. Тот учил разделять пространство на грани, выискивая объем. Врубель с восторгом перенял этот метод, так как он хорошо сочетался с его замыслами.

Портрет усольцевой врубель

Михаил Врубель. Портрет В.А. Усольцевой. 1905 г.

Фантастический цвет «Демона»

Демон сидящий деталь

Врубель. Деталь картины «Демон сидящий». 1890 г.

Врубель был сверхъестественным колористом. Он мог многое. Например, с помощью лишь белого и чёрного создать ощущение цветного за счёт тончайших оттенков серого.

И когда Вы вспоминаете «Свидание Тамары и Демона», то оно рисуется в Вашем воображении цветным.

Свидание Тамары и демона врубель

Михаил Врубель. Свидание Тамары и Демона. 1890 г. Третьяковская галерея

Поэтому ничего удивительного, что такой мастер создаёт непривычный колорит, чем-то схожий с Васнецовским. Помните необычное небо в «Трёх царевнах»? 

Васнецов три царевны

Виктор Васнецов. Три царевны подземного царства. 1881 г. Третьяковская галерея

У Врубеля хоть и просматривается трёхцветка: синий — жёлтый — красный, — но оттенки необычны. Поэтому ничего удивительного, что в конце XIX века такой живописи не понимали. «Демона» Врубеля называли грубым, топорным.

А вот в начале XX века, в эпоху модерна, Врубеля уже боготворили. Такая неординарность цветов и форм только приветствовалась. И публике художник стал очень близким. Теперь его сравнивали с такими «чудаками», как Матисс и Пикассо. 

Ссылка на онлайн-тесты

«Демон» как наваждение

Спустя 10 лет после «Демона сидящего» Врубель создал «Демона поверженного». И так получилось, что по окончании этой работы художник попал в психиатрическую клинику.

Поэтому считается, что «Демон» одолел Врубеля, свёл его с ума. 

Я думаю, что это не так. 

Демон поверженный

Михаил Врубель. Демон поверженный. 1902 г. Третьяковская галерея

Ему был интересен этот образ, и он прорабатывал его. Это обычное дело для художника — возвращаться к одному образу несколько раз. 

Так, Мунк вернулся к «Крику» через 17 лет. 

Клод Моне написал десятки вариантов Руанского собора, а Рембрандт десятки автопортретов в течение всей жизни. 

Один и тот же образ помогает художнику ставить живописные зарубки на ленте времени. Через несколько лет мастеру важно оценить, что в результате наработанного опыта изменилось.

Если отбросить все мистическое, то «Демон» не виноват в болезни Врубеля. Все гораздо прозаичнее. 

Врубель автопортрет с жемчужной раковиной

Михаил Врубель. Автопортрет с жемчужной раковиной. 1905 г. Русский музей

В начале 90-х годов XIX века он заразился сифилисом. Тогда антибиотиков не было, и возбудитель болезни — бледная трепонема — сделала своё дело. 

Через 10—15 лет после инфицирования у больных поражается центральная нервная система. Раздражительность, потеря памяти, а затем бред и галлюцинации. Еще атрофируются зрительные нервы. Все это в конечном счете и случилось с Врубелем. 

Он умер в 1910 году. До изобретения пенициллина оставалось ещё долгих 18 лет.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

 

Ссылка на бесплатный курс

 

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Англоязычная версия статьи

«Вечерний звон» Левитана. Уединение, звучание и настроение

Левитан вечерний звон

Исаак Левитан. Вечерний звон. 1892. Третьяковская галерея, Москва.

Летом 1891 года Исаак Левитан отправился на Волгу. Уже несколько лет он ездил по речным просторам в поисках мотивов.

И нашёл потрясающий пейзажный сюжет. Кривоозерский монастырь был окружён тремя озёрами. Он смиренно выглядывал из гущи леса.

Левитан обожал такие находки. Уединенность обители не терпелось перенести на холст.

Воткнут знаменитый белый зонт. Этюд готов. Позже написана картина «Тихая обитель». А еще через год — более торжественный «Вечерний звон».

Посмотрим на картину поближе. И начнём с того, что изображённого на картине места не существует…

Пейзаж из «Вечернего звона» выдуманный

Левитан работал на натуре, чтобы запечатлеть общие черты пейзажа. Но затем в студии придумывал своё, уникальное.

Рисунок Тихая обитель левитан

Исаак Левитан. Рисунок к картине «Тихая обитель». 1891. Третьяковская галерея, Москва.

«Вечерний звон» не исключение. Кривоозерский монастырь со своими окрестностями узнаваем, но он не был скопирован. Шпиль заменен на шатровый купол. А озёра — на излучину реки.

Поэтому-то и неправильно Левитана называть в этот период импрессионистом. Он не запечатлевал то, что видел. А выдумывал, выстраивая по своему усмотрению композицию картины.

Кривоозерский монастырь не сохранился. После революции в нем  держали малолетних преступников, потом хранили колхозную картошку. А затем и вовсе затопили при создании Горьковского водохранилища.

Ссылка на бесплатный курс

Сначала была «Тихая обитель»

«Вечерний звон» появился не сразу. Сначала Левитан написал по мотивам Кривоозерского монастыря другую картину — «Тихую обитель».

Левитан тихая обитель

Исаак Левитан. Тихая обитель. 1891. Третьяковская галерея, Москва.

Видно, что обе картины несут одну идею. Художник показывает отгороженность от суеты мира. А с помощью тропинок и мостиков он влечёт нас в это уединенное светлое место.

Однако картины отличаются звучанием. «Тихая обитель» более минорная. Нет людей. Тут солнце ниже, а значит, краски темнее. Уединенность в этой работе более однозначная, эталонная.

Картина «Вечерний звон» многолюдна (по левитановским меркам), и предзакатного солнца в ней явно больше. Да и простора тоже. Передний берег уже погрузился в сумерки. А яркие краски противоположного берега приковывают взгляд. Туда непременно хочется попасть. Особенно под звон колоколов…

Звук на картине — непростая задача

Назвав картину «Вечерний звон», Левитан поставил перед собой сверхзадачу — изобразить звук.

Живопись и звук кажутся несовместимыми.

Но Левитану удается вплести музыку в пейзаж. Причём это выглядит легко читаемым посланием.

Мастер как бы говорит зрителю: «Моя картина называется «Вечерний звон». А значит представь мелодичный перелив колокольных голосов. А я поддержу твоё воображение. Легкой рябью на воде. Рваными облачками на небе. Оттенками желтого и охристого, так подходящими к мелодичной скороговорке».

Такое же послание мы наблюдаем у Анри Лероля, французского художника-реалиста. Он написал «Репетицию с органом» примерно в то же время.

Лероль репетиция с органом

Анри Лероль. Репетиция с органом. 1887. Музей Метрополитен, Нью-Йорк, США.

Он также пишет простор, только внутри собора. Здесь обитает звук голоса. А дальше — подсказка художника. Ритмичная лепнина как бы обозначает звуковые волны. Здесь же изображены слушатели, к которым мы мысленно присоединяемся.

Слушатели есть и в «Вечернем звоне». Только с ними не все так просто.

Неудачные детали картины «Вечерний звон»

Левитан не любил изображать людей. Фигура ему давалась гораздо хуже, чем пейзаж.

Но иногда персонажи явно просились на полотно. В том числе на картину «Осенний день. Сокольники».

Парк сложно назвать парком, если он безлюден. Левитан не стал рисковать. Нарисовать фигуру девушки доверил Николаю Чехову (брату писателя).

Левитан осенний день

Исаак Левитан. Осенний день. Сокольники. 1879. Третьяковская галерея, Москва.

На картину «Вечерний звон» фигуры тоже просились. С ними проще представить звук.

Левитан изобразил их сам. Но даже такие мелкие персонажи вышли не очень удачными. Не хочется критиковать мастера, но детали уж очень занимательные. 

Посмотрите на сидящую фигуру в одной из лодок. Она кажется слишком мелкой для переднего плана. Хотя, может, Левитан изобразил ребёнка. Но судя по очертаниям, это скорее женщина. 

Вечерний звон Левитан фрагмент

Исаак Левитан. Вечерний звон (фрагмент). 1892. Третьяковская галерея, Москва.

А ещё мы видим толпу на лодке посередине реки. Фигуры людей слишком миниатюрные, чтобы к ним придираться.

Но вот с лодкой что-то явно не то. Как-то она странно накренилась. А еще сливается с отражением в воде. 

Честно говоря, я этой лодки долго не замечала. Вопрос: зачем она тогда понадобилась. Ведь зритель ее не замечает. А когда замечает, озадачивается ее перекошенным видом.

Может быть, поэтому работу не стал покупать Павел Третьяков? Он был придирчив к живописным достоинствам картин. И даже мог попросить художника внести поправки.

То есть Третьяков видел картину на выставке, но не купил. Она досталась дворянской семье Ратьковых-Рожновых. Они владели несколькими доходными домами в Санкт-Петербурге.

Но картина все же попала в Третьяковку. Когда остатки семьи бежали в Европу в 1918 году, спешно передали ее музею.

Ссылка на онлайн-тесты

«Вечерний звон» — пейзаж настроения

Вечерний звон Исаак Левитан

Исаак Левитан. Вечерний звон. 1892. Третьяковская галерея, Москва.

«Вечерний звон» — одна из самых популярных картин Левитана. Шансов остаться незамеченной у неё не было. В ней собрано все то, что вызывает самые приятные чувства.

Кому бы не хотелось посидеть на берегу в теплый сентябрьский вечер! Смотреть на тихую водную гладь, белые стены монастыря, утопающего в зелени, и розовеющее вечернее небо.

Умиление, тихая радость, умиротворение. Поэзия природы, написанная маслом.

Читайте о других работах мастера в статье “Картины Левитана: 5 шедевров художника-поэта”.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

 

Ссылка на бесплатный курс

 

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Над вечным покоем. Философия Левитана

Над вечным покоем

Исаак Левитан. Над вечным покоем. 152 х 207.5 см. 1894. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Исаак Левитан (1860—1900) считал, что в картине «Над вечным покоем» отражается его сущность, его психика.

Но знают эту работу меньше, чем «Золотую осень» и «Март». Ведь последние включены в школьную программу. А вот картина с могильными крестами туда не вписалась.

Время познакомиться с шедевром Левитана поближе.

Читать далее