Картины Возрождения могут быть очень разными. Я собрала для Вас несколько работ, которые сильно отличаются друг от друга. Ведь одна из них создана в эпоху Проторенессанса. Другая – в Кватроченто (Возрождение XV века). Леонардо и его Мона Лиза – это уже Высокое Возрождение. А ещё было Возрождение Венеции, главный герой которого – Тициан.
Итак, в статье расскажу, на какую картину смотрели потерянные или брошенные дети, почему Мону Лизу практически невозможно скопировать (если только Вы не будете работать 15 лет подряд) и зачем Тициан изобразил героя с тремя руками.
Начнём мы с очень интересной картины XIV века, которая хранится во Флоренции.
XIV век. Проторенессанс
Бернардо Дадди. Триптих Бигалло
Рядом с собором Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции есть лоджия Бигалло. В самом центре города.
Лоджию построили в середине XIII века. И в ней располагалось благотворительное общество. Оно занималось поиском родителей для брошенных детей. Именно сюда приносили детей, которых биологические родители не могли прокормить.
Также в эту лоджию приходили потерявшиеся дети. Или их сюда приводили неравнодушные люди, нашедшие плачущих и одиноких детей на улицах Флоренции.
Все жители знали – если у вас потерялся ребёнок, идите в лоджию Бигалло. Много шансов, что вы найдёте его там.
И вот в 1333 году одна супружеская пара заказала для этой лоджии триптих. Его создал мастер Бернардо Дадди.
Так вот, явно по настоянию этих заказчиков художник изменил канонам. И вместо Благовещения в верхней части триптиха изобразил историю “Чудо святого Николая”.
История такая: один человек молился святому Николаю, чтобы тот дал ему ребёнка. В скором времени его жена родила сына.
Но когда мальчик подрос, он попал в плен к другому народу. Он стал прислуживать царю этого народа.
И однажды на пире несчастный ребёнок рассказал этому царю, что он скучает по родным. Ведь это был день святого Николая. Он поведал своему хозяину, что когда-то отец вымолил его именно у этого святого.
Царь отреагировал холодно: мол, нечего ныть, быть тебе всегда в моём услужении. И никакой святой тебе уже не поможет.
В это мгновение поднялся ураган, который разрушил дом царя. А ещё подхватил мальчика и понёс его прочь.
Мальчик опомнился рядом с домом своих родителей. Они как раз сидели за столом и праздновали день святого Николая.
Конца и края не было их радости. Ведь святой Николай вернул им сына!
Очень логично, что именно эта история была изображена на картине в доме, где дети находили своих родителей.
Но что-то мне подсказывает, что заказчики не просто так заказали такой роскошный триптих с таким сюжетом. Их мы видим в ногах Богородицы.
Возможно, они тоже потеряли своего ребёнка. И даже может быть его нашли! И в благодарность обществу, а также святому Николаю, которому они молились, заказали этот триптих.
О другом шедевре Проторенессанса читайте в моей статье:
XV век. Кватроченто
Карло Кривелли. Благовещение
25 марта 1482 года в город Асколи-Пичено прилетел почтовый голубь. Отправителем был Папа Римский. В письме он сообщал, что отныне город получает свой суверенитет обратно. С диктатурой Франческо Сфорца покончено.
Асколи-Пичено – город очень древний. Он был основан аж за 200 лет до Рима.
Для его жителей с такой историей это было невероятным событием!
И они захотели увековечить память о нём.
Художнику Карло Кривелли заказали написать картину на тему Благовещения. Ведь как раз накануне в городе праздновали праздник, посвящённый этому библейскому событию. И горожане увидели связь между той вестью, что им принёс голубь и благой вестью, полученной когда-то Богоматерью.
К тому же в XV веке подавляющее большинство картин были религиозными. И это было вполне логичным увековечить память о важном событии через библейский сюжет.
Итак, Кривелли пишет сам город. Мы видим два двухэтажных палаццо на переднем плане и узкую улицу между ними.
Конечно, мастер приукрасил город. Он на самом деле очень красивый. Но не настолько!
Художник сделал похожим его на земной рай. Мол, вот мы свободны. И теперь будем строить город будущего. Красивым, райским. Отсюда и павлин, и невероятные орнаменты, и золотые детали на стенах.
А ещё обратите внимание на городскую стену на заднем плане. Она как будто была разрушена и восстановлена. То есть о городе заботятся, его украшают.
При этом везде мы видим голубей. Ведь именно они принесли весть об освобождении. А на стене стоит мужчина, он как раз развернул письмо с сообщением от Папы Римского.
На переднем фоне мы видим Святую Марию в одной из комнат палаццо. А за стеной – архангела Гавриила.
Но ему явно кто-то мешает…
Архангел Гавриил несёт благую весть. А рядом другой святой заглядывает ему в лицо и что-то демонстрирует. Зачем?
Это святой Эмидий, покровитель города. Он показывает архангелу макет города Асколи.
Что ж, так захотели жители. Чтобы непременно святой Эмидий был изображён. И чтобы была показана его связь с городом.
Вот Кривелли и вручил ему макет и надоумил настоятельно демонстрировать его архангелу.
А теперь по поводу объекта в небе, которое часто зрители идентифицируют как НЛО.
Да, очень похоже на летающую тарелку. Но если приглядеться к деталям, то это облака. Они расположены бубликом. А также внутри этого “бублика” два круга ангелочков. Видны их головки, крылышки и ручки.
То есть мастер вот так решил изобразить место в небе, из которого возник Святой Дух. Он спустился к Святой Марии.
А огурец-то зачем изображает художник?
Вы можете увидеть его в самом низу картины рядом с яблоком.
С яблоком как раз всё понятно. Символ первородного греха, которое предстоит искупить Святой Марии.
А огурец? В Ветхом Завете есть слова о дочери Сиона, которая словно шатёр* среди дынной бахчи. То есть несмотря на грехи вокруг неё, она остаётся чистой душой.
*В таких шатрах во время ухода за урожаем жили работники. Туда не проникали насекомые и зной.
Дыни в те времена были вытянутые и чем-то похожие на огурцы. Последние были завезены с Востока в Европу за несколько столетий до картины Кривелли. И были популярным овощем.
Новозаветная Сиона, Святая Мария, уже стала восприниматься той, что словно шатёр среди огуречной бахчи, неподвластна грехам.
Кривелли больше, чем кто-либо любил изображать этот символ греха рядом с яблоком. Иногда эти огурцы у него уж слишком большие и бросающиеся в глаза.
О других шедеврах Кватроченто читайте в моей статье:
Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 15 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.
Первая половина XVI века. Высокое Возрождение
Леонардо да Винчи. Мона Лиза
Вы когда-нибудь пробовали рассмотреть Мону Лизу в сильном приближении? Чтобы глаз на весь экран. Или губы.
Сделав так, Вы не найдёте ни одного мазка. Даже самого крошечного!
Можно приближать изображении сколь угодно долго, Вы их никогда не увидите. Даже если вооружитесь микроскопом. Впрочем вряд ли Вам позволят в Лувре приблизиться к Моне Лизе с этим инструментом.
Более того, когда исследователи сделали рентген Моны Лизы, то тоже не увидели ни одного мазка.
Зато обнаружили кое-что невообразимое!
В некоторых местах (в области лица и рук) они обнаружили до 30 тончайших слоёв краски.
Вы даже представить не можете, насколько тонких. В 1 микрометр.
Для сравнения диаметр человеческого волоса – 80 микрометров!
Честно, я на какое-то мгновение решила, что Леонардо – инопланетянин.
Он оставил нам послание с помощью техники, которую никто из людей не может повторить.
Но нет, вроде он был человеком. И даже в общих чертах раскрыт его секрет.
На днях одна художница поделилась версией, что, скорее всего, Леонардо работал следующим образом.
Мастер наносил сначала слой темперы, краски на основе воды и яичного желтка. При этом этот слой он размазывал пальцами. Поэтому он получался настолько тонким. И так несколько раз.
А затем сверху уже накладывал слой масляной краски. Она помогала создать иллюзию объёма.
Потом вновь бралась темпера. И так слой за слоем. А между слоями темперы – масло.
Именно такая техника и помогает создать эффект сфумато, когда не видно ни одного мазка. А светотень получается оооочень мягкая.
Также художница мне рассказала, что такая техника очень трудоёмкая. Так как нужно ждать просушки каждого слоя. А это не один день.
К тому же крайне сложно сказать себе “Стоп!” Ведь слои настолько тонкие, что их можно наносить бесконечно.
Леонардо и не останавливался. В течение 15 лет он возил картину с собой. И я так думаю, именно потому, что не мог остановиться. Он наносил один слой за другим. В результате его сфумато получилось таким совершенным.
Конечно, он обучал этой технике своих учеников и других художников, кто просил об этом. В том числе Рафаэля.
Обратите внимание на руки его “Мадонны в зелени”.
Они написаны как раз в той же технике, что и Мона Лиза. Но все остальное – одежда, а также задний фон – в более простой технике без такого эффекта дымки.
Дело в том, что сфумато Леонардо – техника сложная, трудоёмкая. Для художника, работающего на заказ, это было неприемлемо.
Поэтому мастера упрощали технику (то есть останавливались на моменте нескольких слоёв), либо использовали её только частично, как Рафаэль.
А впоследствии и вовсе отказались от смешения темперы и масла. Оказалось, что работать одним маслом получается ещё быстрее.
Именно поэтому Мона Лиза так отличается от многих других портретов. Такое чудо возможно сотворить только, если работать тщательно и долго, очень долго.
О других шедеврах Высокого Возрождения читайте в моей статье:
Леонардо да Винчи. Мадонна Бенуа
Леонардо да Винчи. Мадонна Литта
Микеланджело. Сотворение Адама
XVI век. Венецианский Ренессанс
Тициан. Пастух и нимфа
Однажды Тициан написал картину для себя, не для продажи. Он экспериментировал…
Его «Пастух и нимфа» (1570) – одна из самых загадочных картин для меня. Ведь он изобразил у героя три руки! Эксперимент в духе Пабло Пикассо!
Видите, двумя руками пастух держит дудочку. Но при этом ещё одной рукой (!) обнимает нимфу.
Да-да, я уверена, что это рука НЕ девушки. Слишком крупная, с рукавом. Да и вообще свою она так бы не смогла вывернуть. Если посмотреть вблизи, то видно, что рука идёт до плеча пастуха.
Честно, я долго думала, что Тициан просто не скрыл пентименто. Это когда художник решил поменять деталь картины и закрашивает её краской. То есть сначала Пастух обнимал нимфу. Потом мастер передумал, решил, что пусть он играет. Но лишнюю руку не убрал. А почему нет, все равно картина для себя.
Но на днях один участник курса «Дневник Возрождения» мне написал, что наверняка Тициан не просто так оставил третью руку… может ответ нужно искать в любовных и трагических историях мифологических героев.
И я нашла более правдоподобное объяснение!
По основной версии на картине Тициан изобразил любовное свидание Париса с нимфой. Он был влюблён в неё до всей истории с Еленой и Троянской войной.
Но существует предположение, что это встреча Дафниса с нимфой. Если Вы помните, Дафнис, сын Аполлона и одной из нимф, прекрасный юноша, хорошо играл на свирели. Также он был отличным пастухом, который управлялся с огромными стадами коров. Поэтому он больше подходит на эту роль.
Но разобрав в деталях мифы о Дафнисе, я решила, что рядом с ним НЕ нимфа!
Приглашаю Вас в онлайн-галерею. Я, создатель этого сайта, помогу Вам подобрать картину. Полотна и их описания смотрите по ссылке.
Обратите внимание на обстановку вокруг героев. Сломанное дерево, очень пасмурное небо. Вообще по колориту создаётся впечатление, что прошла буря. Да такая, что деревья ломались.
А ещё девушка… она лежит на шкуре убитого животного. Такой яркий намёк на агрессию и насилие. Да ещё её такой взгляд на нас самоуверенный…
Так вот, существует миф, что Дафнис был влюблён в нимфу Хлою. Но в него влюбилась дочь некоего царя. И решила его во что бы то ни стало заполучить, опоив вином, а возможно и каким-то приворотным зельем.
Конечно, Дафнис поддался на её чары. А когда опомнился, не смог простить себе предательство. Он в отчаянии сбросился со скалы и погиб.
Так вот, складывается ощущение, что Тициан изобразил Дафниса с этой коварной дамой. И мастер сделал попытку передать вот это НАВАЖДЕНИЕ главное героя. Опьяненный, он почти в бессознательном состоянии обнимал девушку. И с трудом понимал, что делает.
А ещё обратите внимание на оленя. Он стоит на задних ногах и щиплет листья со сломанного дерева. Не знаю, вообще олени так делают? Так вот, в этом тоже есть намёк на неадекватное поведение героев.
Конечно, это всего лишь версия. Но для меня она теперь кажется более понятной, чем простое «Ну забыл, не захотел мастер лишнюю руку убирать»…
Что думаете?
О других шедеврах Тициана читайте в моей статье:
Читайте также статью “Художники Эпохи Возрождения”. В ней я рассказываю как о мастерах Проторенессанса, так и последующих поколениях художников Высокого Возрождения.
Ещё более детально Ренессанс мы изучаем на курсе “Дневник Эпохи Возрождения”.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Эпоха Возрождения подарила миру много громких имен. Да Винчи, Рафаэль, Тициан и многие другие художники оставили потомкам истинные шедевры изобразительного искусства, которыми люди восхищаются до сих пор. Эта уникальная эпоха подарила миру шедевры, которые можно до бесконечности изучать и находить скрытые смыслы. Те, что сохранились до наших времен, тщательно оберегаются для следующих поколений.
Екатерина, да, полностью согласна! Не устаю изучать эту эпоху. И даже сейчас слушаю очередные лекции о Ренессансе