Очень рекомендую внимательно прочесть статью. Так как в конце Вас ждет мини-тест. Вы сможете проверить, насколько хорошо Вы знаете русских мастеров.
Андрей Матвеев (1702-1739)
В нём нет ничего от пышного барокко Рубенса. А именно этому стилю его обучали в Европе. Его портрет лишён чрезмерных деталей, а также атрибутов статуса. Пожалуй, это самый доброжелательный образ Петра I.
В силу своего мягкого и доброго характера Матвеев и в других видел самые положительные качества и подчеркивал их в своих героях. Увы, до нас дошло очень мало станковых работ этого замечательного художника.
В 37 лет Матвеев ушел из жизни. Скорее, “сгорел” под гнётом бесчисленных заказов.
Фёдор Рокотов (1735-1808)
Когда мы говорим о Фёдоре Рокотове (1735-1808), то сразу вспоминаем его русское сфумато. Как и у Леонардо да Винчи, его дамы словно покрыты легкой дымкой.
На самом деле Рокотов и не думал создавать эффект дымки! И уж тем более он не предполагал, что это будет его визитной карточкой.
Да, улыбки и правда у него прекрасны. Лёгкие и скромные. И взгляды у дам спокойные и мягкие. Как будто на этих портретах остались их души.
Рокотов был невероятным для своего времени колористом. Тончайшая градация оттенков розового на портрете выше создает эффект трепетания воздуха.
Сравните его цветовые решения с тем, что предлагали другие художники той же эпохи.
На картине слева цвет слишком локальный. То есть мало связанный с особенностями фигуры, а уж тем более характером героини. В то время как Рокотов наделяет цвет особой функцией нести послание о своем модели.
Вот дымчатый и горчичный цвета удивительно идут помещице Струйской. Сами по себе оттенки сложные. Да еще так ясно подчеркивают её скромность и обаяние!
Итак, на этом портрете мы тоже видим иллюзию лёгкой дымки. И создал её не Рокотов, а… время!
Конечно, художник к этому тоже причастен. Выбирал такую некачественную грунтовку, которая со временем проникала в слой краски и как бы размывала её. Так и получался эффект дымки.
К сожалению, такой грунт не может до конца просохнуть, а значит, картины продолжат «таять». Пока не придумали метода, чтобы остановить этот процесс, увы. И однажды шедевры Рокотова исчезнут.
Но не все. Вот портрет Екатерины II. На нем нет никакой дымки!
Это более ранний портрет. Рокотов еще использовал стандартную грунтовку. Тем более какие могут быть эксперименты, когда речь идет о портрете самой царицы!
Создание этого портрета было настоящим звёздным часом Рокотова. Ведь очень придирчивой Екатерине II он очень понравился. До такой степени, что в случае создания гравюр она приказала использовать именно образ Рокотова. Таким образом молодой художник переплюнул именитых иностранцев.
Но всё-таки в Москве конкуренция была гораздо ниже. И художник переехал в этот город, став там главным портретистом местного света.
В отличие от Матвеева он прожил долгую жизнь. Воспитал множество учеников, которые подражали его манере. К сожалению, в связи с этим далеко не все портреты до сих пор правильно атрибутированы (то есть их авторство под сомнением).
Но благодаря в том числе и Рокотову портретная живопись в России с тех пор была почти всегда на высоком уровне.
Антон Лосенко (1737-1773)
Карл Брюллов (1799-1852)
Карл Брюллов уже в юности был признан большим талантом. Поэтому Академия Искусств отправила его стажироваться в Италию. Там сложилось всё: и его способности, и уже существующие каноны в русской живописи, и итальянская, пропитанная искусством среда.
В результате Брюллов создал работу “Итальянское утро”.
Картину очень хвалили в Италии. Но главное, она была совершенным чудом для русских. До такой степени, что Академия Художеств подарила её супруге Николая I, Александре Фёдоровне.
Что же в ней необычного?
Во-первых, невиданное ещё для русской живописи изображение НЮ. Крайне редкое явление. Общество только начало привыкать к светской живописи. А здесь такое! Но так как образ получился почти скромным, насколько это было возможно, его благосклонно приняли.
Во-вторых, зрителей поразил особый свет на картине. Девушка освещена сзади солнцем. А её лицо в то же время освещается отблесками солнечных лучей в фонтане. Для того времени – сложносочинённая иллюзия. И с ней мог справиться только выдающийся мастер.
Но следующая картина уже окончательно всех поразила. Речь идет, конечно, о “Последнем дне Помпеи”.
Зрители восхищались очень удачной композицией с разбивкой героев на несколько групп. Удачными были и сами герои с идеализированными лицами.
Но главным было другое. Ведь и до Брюллова создавали многофигурные картины. Как тот же Лосенко, о котором мы говорили выше.
Однако у других художников всё было подчинено прославлению одного главного героя. У Лосенко это Гектор. А вот у Андрея Иванова это князь Мстислав Удалой.
А Брюллов НЕ выделяет главного героя. Он показывает страдания и последние секунды жизни группы людей!
К тому же он выбирает необычную тему – противостояние природы и человека. Она уже давно прорабатывалась романтиками Европы. Как у того же Жерико.
И вот эту тему развернул русский художник Брюллов. Потом она будет встречаться и у других романтиков, таких как Айвазовский.
Это был триумф. Впервые заговорили о русском живописце по всей Европе. Прошло всего 100 лет с момента появления светского портрета Матвеева. И уже такой успех и прорыв!
Картина “Всадница” лишь укрепила его успех. Итальянцы ставили Брюллова в один ряд с Рубенсом и Антонисом ван Дейком.
Действительно, художнику удалось не просто написать портрет девочек, воспитанниц заказчицы картины Юлии Самойловой. Это ведь и жанровая сцена.
Девушка подъезжает после прогулки к дому. А девочка выбежала на балкон, чтобы встретить сводную сестру. И восхищенно смотрит на красотку.
Конечно, сейчас мы можем придраться. Ведь лицо девушки слишком спокойно, не соответствует тому, что лошадь так дёрнулась и задрала голову. Но в то время такое однозначно прощалось. Это был уникальный портрет, который так мастерски вплетён в бытовой жанр.
Слава Брюллова была столь громкой, что Николай I требовал от художника вернуться в Петербург. Во-первых, чтобы наградить и похвалить. Во-вторых, государю самому нужны были великие мастера. И когда тот вернулся, ему поручили расписывать Исаакиевский собор.
Четыре года художник посвятил росписи храма. Так, он расписал огромный плафон купола. Святых он расположил по кругу, оставив место для золотисто-голубого неба.
Однако изнурительные работы подорвали здоровье художника. Не доделав части росписи, он вынужденно отказался от работы.
Брюллова отпустили лечиться в Рим. Там он и умер на 53 году жизни.
Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 14 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.
Карл Брюллов был портретистом аристократии, воспевающим красоту человеческого тела и силу природы. Но уже следующее поколение художников пошло другим путём. На арену вышли реалисты и передвижники.
Илья Репин (1844-1930)
Илья Репин так же, как и Брюллов, учился в Академии Художеств в Петербурге. И прекрасно усвоил каноны классицизма. Так что его первые работы вполне можно спутать с работами классицистов.
Однако художник быстро почувствовал, куда ветер дует. А в то время он дул в сторону реализма и изображения простых людей.
И вот он создал своих знаменитых “Бурлаков на Волге”.
На картине мы видим несчастных бурлаков, которые вытягивают с мели корабль. Речь уже не идёт ни о какой идеализации. Лица тёмные от долгой работы на солнце. Вещи – просто лохмотья.
Еще обратите внимание: мы можем “читать” особенности характера, а также степень мотивации каждого персонажа. Кто-то тянет усердно, кто-то ленится. В этом тоже проявляется реализм художника. Он подчеркивал незначительные детали, которые классицист бы точно опустил.
За талант и перспективность Репин был отправлен в Париж. А там вовсю развивался импрессионизм. Художник впоследствии во многих своих работах будет использовать приёмы этого стиля.
Например, в этой работе он изобразил дочь, как будто застигнутую врасплох после пробуждения. Вполне себе такая жизненность в духе французских импрессионистов.
Однако Репин всю жизнь был верен товариществу передвижных выставок. И разделял их идеи правдивого изображения русских типов, их забот и чаяний. Так родилась картина “Крёстный ход в Курской губернии”.
Здесь, в отличие от Брюллова, Репин никого не приукрашивает. Напротив, современники художника упрекали его в отсутствии хотя бы одного миловидного лица.
Мы также видим совсем иной тип композиции. Брюллов в картине “Последний день Помпеи” разбил всю толпу на группы и поместил каждую из них в условный треугольник или квадрат.
У Репина и близко такого нет. Это сплошная толпа. При этом на переднем плане никого нет. Для классициста просто немыслимый приём. К тому же мы вообще не видим, кто является главным героем.
Им мог бы быть священник впереди крёстного хода (человек в жёлтом облачении в центре – это дьякон, более низкий чин).
Но художник “обрезает” начало процессии краем картины. А в первую очередь нам в глаза бросается мальчик-инвалид. Вполне в духе передвижников, которые писали угнетенных и слабых.
Репин прожил долгую жизнь и умер в своей усадьбе Пенаты. После революции 1917 года это место стало территорией Финляндии. Советское правительство звало художника вернуться в Петербург. Но тот так и не сделал этого.
А вот следующий наш герой пережил 1917 год в России. Посмотрим, как сложилась его судьба.
Виктор Васнецов (1845-1926)
Виктор Васнецов учился в Москве и почти сразу попал под влияние передвижников. Поэтому его первые герои – это представители самых уязвимых слоев общества. Например, старики.
Однако важно учесть, что в 1870-х годах началась мода на всё русское. Александр Афанасьев собрал в единую книгу народные сказки. Александр Островский написал пьесу “Снегурочка”. А еще была найдена копия рукописи “Слово о полку Игореве”. Все эти события произошли примерно в одно время.
Рано или поздно эта мода нашла бы отражение в живописи.
Васнецов был сыном священника из глубокой провинции. Поэтому он жил в сельской местности, много общался с крестьянами. И хорошо знал фольклор. Неудивительно, что он одним из первых начал создавать картины на сказочные сюжеты.
В 1880-х годах он принял предложение историка Адриана Прахова расписывать Владимирский собор в Киеве. На волне интереса к русской истории стало возрождаться и церковное искусство.
Именно Васнецов внёс в это значительный вклад, создав невероятные образы святых. Они сочетали в себе чистоту, возвышенность с реализмом (иллюзией объема), который соответствовал эпохе.
В XX веке Васнецов по-прежнему занимался станковой живописью в сказочном жанре. И после революции 1917 года его главным трудом стал цикл картин “Поэма семи сказок”.
В этих образах уже видна стилистика модерна. Именно Васнецов был одним из тех, кто привнес эту стилистику в русскую живопись. Ей свойственна красочность, обилие растительных орнаментов, более плоское и стилизованное изображение.
Васнецов оставался в России до самой смерти. И умер в своем доме в Мещанском районе Москвы в 1926 году.
Более подробно об этом художнике читайте в статье “Виктор Васнецов. От реализма к модерну”.
Но не только Васнецов сделал отступление от главного стиля русской живописи XIX века – реализма. Наш следующий герой активно привносил в реализм такой стиль, как импрессионизм.
Валентин Серов (1965-1911)
Валентин Серов, будучи подростком, учился живописи у Ильи Репина в Париже. Там жила мать юного Валентина. Она и пристроила сына к знаменитому передвижнику, пока тот жил в Париже.
Как я уже писала в о Репине, тот “заразился” в Париже импрессионизмом. И передал эту симпатию своему ученику.
Нет, это не значит, что Серов стал импрессионистом. Но так же, как и Репин, он стал использовать некоторые приёмы стиля в своей живописи. Это мы и видим в первой его значительной работе “Девочка с персиками”.
Серов использовал широкие пастозные мазки. На самом деле это лишь стилизация. Ведь импрессионисты работали в такой манере, чтобы успеть быстро запечатлеть увиденное. Порой за 10-20 минут. Там уж было не до детального рисунка и скрытия мазков.
А вот Серов работал долго, несколько месяцев. И такие мазки ему нужны были для создания эффекта жизненности и иллюзии вибрирующего воздуха.
Написав еще несколько подобных работ, Серов постепенно стал получать заказы на портреты. Он по-прежнему над каждым из них работал долго, основательно. Но в результате выходило лёгкое, воздушное пространство. Как будто и правда художник работал один-два сеанса.
Любили Серова и за его умение передать особенности характера модели. Этим он отличался от импрессионистов. Так как тем был не важен внутренний мир героев. Они были сосредоточены на световых эффектах.
Но порой Серов буквально разоблачал своих героев.
Так, княгине Юсуповой не понравилось то, как художник изобразил её фигуру. Она ей показалась слишком расслабленной, изогнутой. Как будто княгине недостает стержня, и она слишком зациклена на жизненном комфорте. Недаром же Серов “обложил” её подушками и шубами со всех сторон.
Но даже такие моменты не помешали Серову стать главным портретистом России рубежа XIX-XX веков. Заказов было много. Поэтому никто не ожидал однажды увидеть вот такой портрет.
Неожиданно для всех Серов создал портрет в стиле модерн. Причём здесь мы видим не просто почти плоскую форму. Ида словно прочерчена на стене: цвет её кожи сливается с цветом пространства.
Художник был восхищен танцовщицей и считал её новой Венерой, то есть воплощением совершенно иных стандартов красоты. А значит, она достойна быть увековеченной в виде барельефа. Её силуэт – символ нового времени.
Как это время развернётся, Серов, к сожалению, не узнал. Он умер через год после окончания этого портрета, в 1911 году, в возрасте 46 лет.
Заключение
Русская живопись уникальна тем, что развивалась просто немыслимыми темпами. Буквально за два века она прошла путь, который другие страны проходили гораздо дольше.
Понятно, что было у кого учиться и на кого равняться. Но всё же этот случай говорит об одном: человек может многое. Особенно когда помнит, что он творец.
Мы остановимся на первой половине XX века. Не дойдем чуть-чуть до авангарда и современной живописи. Это уже совсем другое искусство. Если оно Вам интересно, Вы можете прочесть статьи о самых знаковых художниках и главных шедеврах этой эпохи:
Тест для тех, кто дочитал статью до конца:)
Ответы на задания
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Оксана, потрясающе! Очень люблю Ваши статьи! Интересно, легко, глубоко!
Елена, спасибо Вам за приятные слова!
Спасибо за прекрасную статью . С нетерпением жду ещё. Светлана
Светлана, пожалуйста!
Без русских живописцев невозможно представить себе мировой художественный контекст. Ведь никто не напишет величие морской стихии так, как Иван Айвазовский. Карл Брюллов – один из лучших портретистов своего времени. Персонажей русских сказок знают такими, какими их изображал Виктор Васнецов. Талант Ильи Репина с помощью живописных приемов мастерски описывать страдания людей ХIX века сделал его ключевой фигурой русского реализма. Федор Рокотов – один из самых востребованных портретистов столичных знатных дворов XVIII века. Позировать для Валентина Серова – импрессиониста и мастера психологических портретов – было большой честью для современной художнику элиты. Оксана, премного благодарна Вам за интересный экскурс в такой волшебный и многогранный мир изобразительного искусства! Всегда с нетерпением жду Ваших новых записей, чтобы с удовольствием погрузиться в живопись. Вы – мой любимый эксперт и проводник в этой сфере!
Катерина, спасибо Вам за дополнение! Очень приятные слова для меня
Замечательно! Очень интересно, познавательно, оригинально в изложении материала. Спасибо огромное! Жду с нетерпением следующих статей
Спасибо огромное. Очень интересно. Я далека от живопису и мне очень нравятся ваши статьи
Здравствуйте, Оксана. Благодарю за очередную интересную статью. Зачиталась, засмотрелась на фото картин. Так приятно Вы умеете погружать в этот любимый прекрасный мир художественного искусства. Благодарю.
Хорошая ,позновательная ,статья. Написана простым и понятным языком ,без перегруженности терминами и излишними деталями. Последовательно показана эволюция русской живописи ,с характерными примерами. Сравнение картин позволяет видеть и общие черты и различия .
Благодарю , Вас ,за интересную ,творческую ,работу !! С уважением ,Игорь.
Оксана, спасибо огромное! Это потрясающее- так лаконично и так содержательно! Я тоже всегда жду ваших статей. Такого аналитика в сфере живописи я, например, не встречала еще.
Оксана, спасибо огромное! Это потрясающее- так лаконично и так содержательно! Я тоже всегда жду ваших статей. Такого аналитика в сфере живописи я, например, не встречала еще.
Оксана, большое спасибо! Как всегда, интересно и доступно! Почему не упомянут Перов?
Галина, пожалуйста! Очень хотела его включить. Но всё же решила остановиться на трёх передвижниках: Васнецове, Репине и Серове.
Оксана! Спасибо за статью! получила огромное удовольствие! спасибо за прекрасный стиль изложения!
Пожалуйста! Очень рада, что статья Вам понравилась!
Спасибо, Оксана! Так приятно вспомнить Ваши уроки! Успеха!!!
Светлана, пожалуйста! И спасибо за пожелание!
Оксана, спасибо Вам большое! Не пропускаю ни одного Вашего письма в почте, с удовольствием читаю, анализирую и любуюсь картинами, с каждым днем всё больше хочу погрузиться в мир искусства!
Ксения, очень приятные слова для меня